Історія Подкасти

Хронологія Aulos

Хронологія Aulos

  • c. 5000 до н. Е

    Перші музичні інструменти aulos вирізані з кістки.

  • 2700 до н.е. - 2300 до н.е.

    Перше в мистецтві зображення музичного інструменту aulos з'являється в кікладській скульптурі.

  • c. 400 р. До н. Е

    Фіванські музиканти винайшли більш складні ауло з металевими ключами.


Аулос

Давньогрецька aulos, часто неправильно перекладений як "флейта", був інструментом з очеретом з двома трубками. Археологічні знахідки вказують на те, що він міг бути або однокристинним, як кларнет, але частіше двокристим, як гобой. На відміну від ліри, якою міг би оволодіти будь -який аристократ з достатнім дозвіллям, щоб займатися нею, аулос був інструментом, переважно асоційованим з професійними музикантами, часто рабами. Жінки-авло-гравці були невід'ємною частиною грецьких алкогольних вечірок і часто подвоювалися як повії.

Аулос супроводжував широкий спектр грецької діяльності: він був присутній на жертвоприношеннях, драмах і навіть змаганнях з боротьби, для стрибків у довжину, метання диска, матроських танців на трієрах. Платон пов'язує це з екстатичними культами Діоніса та Корибантів. У своїх працях Платон заборонив аулос із своєї республіки, але знову включив його у "Закони".

У міфології Марсіас сатир або "папа селен" повинен був винайти аулос або взяв його після того, як Афіна викинула його, тому що це викликало у неї щоки, що надулися, і зіпсувало її красу. У будь -якому випадку, він кинув виклик Аполлону на музичний конкурс, де переможець зможе "зробити все, що забажає" для переможеного - очікування Марсіаса, характерне для сатира, було те, що це буде мати сексуальний характер. Але Аполлон і його ліра побили Марсія і його ауло. А оскільки чистий володар розуму Дельфі працював інакше, ніж розум Марсіяса, він відсвяткував свою перемогу, нанизавши свого супротивника з дерева і збивши його живим. Король Мідас отримав ослині вуха за те, що засудив Марсія як кращого гравця. Кров Марсія та сльози муз утворили річку Марсія в Малій Азії.

Ця казка стала застереженням проти скоєння гріха "нахабства" або надмірної гордості, оскільки Марсія думав, що може перемогти бога. Як би дивно і жорстоко цей міф не відображав великої культурної напруженості, яку греки висловлювали в опозиції, яку вони часто протистояли між лірою та аулом: свобода проти сервілізму та тиранії, спокійні аматори проти професіоналів, поміркованість (софросинія) проти надлишок і т. д. Дещо з цього є результатом «класичної інтерпретації» 19 століття нашої ери, тобто. Аполлон проти Діоніса, або "Розум" (представлений кітарою), протиставлений "Божевіллю" (представлений Аулосом). У храмі Аполлона в Дельфах також була святиня Діоніса, і його Менади зображені на Аулосі, на чашках для пиття, але іноді показують, що Діоніс тримає кітару чи ліру. Тож сучасна інтерпретація може бути дещо складнішою, ніж просто просте подвійне спілкування.


Основна стаття

Грецька музика

Відносно молода цивілізація, яку греки багато почерпнули Месопотамська та Єгипетська культури. Дійсно, до того часу, як греки вийшли на сцену історії, ці старші цивілізації винайшли все основне сімейства інструментів, включаючи струни (зірвані та схилені), флейти, очерет, мідь та барабани. З початку цивілізації (і, ймовірно, набагато раніше) музика грала дві великі ролі в людському суспільстві: церемонія (соціальні, релігійні та/або громадянські) та розваги. 3

Давньогрецька музика була заснована на наборі з восьми Грецькі режими текстура була гомофонічний (див. Музична текстура). Найпопулярнішими грецькими інструментами були ліра (інструмент, схожий на арфу) і aulos (інструмент, що нагадує гобой). 2,3

Грецька філософи як правило, розглядали музику як відображення глибинної гармонії Всесвіту, деякі навіть стверджували, що вистави можуть впливати на здоров'я чи поведінку людини. Філософи також аналізували музику з а технічний позиції, заснувавши таким чином західну теорія музики. Найважливішим грецьким теоретиком музики був Піфагор, який відкрив, що висоти тону можна описати в термінах коефіцієнти довжини струни. 2,3

Для ілюстрації цієї концепції розглянемо простий струнний струнний інструмент з двома однаковими струнами.

Довжина віброструми може бути укорочений натисканням пальця на нього (що піднімає висоту). Тепер припустимо, що ці струни налаштовані на ноту C, і хочеться виконати До мажорна гамма на нижній струні. Щоб зіграти першу ноту (C.), потрібно просто зірвати рядок. Для того, щоб зіграти другу ноту (D), потрібно вкоротити струну пальцем.

Як виявив Піфагор, довжина вкороченої струни є точною дробу повного рядка. Те ж саме можна сказати і про інші ноти шкали.

Теорія був найтривалішим внеском Греції у західну музику. Давньогрецька теорія включала цілий ряд фундаментальні поняття (наприклад, нотатки, інтервали, співзвучність/дисонанс), а також математично визначений масштаб описані вище. Хоча римляни мало додали до цієї теорії, вони це зробили зберегти це для композиторів Середньовіччя. I2-7

Римська музика

Давньогрецька культура, включаючи музику, була охоче поглинається римлянами. Як і в інших видах мистецтва, римляни скоригований та розроблено на Грецька музика на власний смак. Ніяких революційних перетворень не відбулося, проте римська музика залишилася однотонний та на основі режиму, і явний нащадок грецької музики. 3

Під час Ранні християни період (близько 200-500), римські форми мистецтва були адаптовані до Християнські цілі (див. ранньохристиянське мистецтво). У сфері музики частини Святого Письма були встановлені на традиційні Римські мелодії (які самі походять від грецьких мелодій). Ці композиції відомі як ранньохристиянський спів. I3,3

Спочатку ранньохристиянські пісні процвітали в різних країнах регіональні стилі. Зрештою, усі вони були замінені стилем, який виник у Рим. З часів середньовіччя і далі римський стиль відомий як григоріанський спів. I13,2,3


Гобой - Історія

Духові інструменти з двома очеретами використовувалися з часів античності. Найдавніші зображення таких інструментів-з Месопотамії приблизно за 3000 років до нашої ери.

У грецькій та римській цивілізаціях інструменти з двома очеретами були найбільш високо оціненими з усіх інструментів. Гра на аулос або гомілку асоціювалася з високим суспільним становищем, і музиканти користувалися великою популярністю та багатьма привілеями.

Портрети гравців aulos у Стародавній Греції традиційно зображують музиканта, який дує на двох інструментах, це доводить, що aulos був подвійним інструментом. Різні види aulos гралися з різних випадків - як і римська гомілка - наприклад, на полі бою, під час підготовки до бенкету, на урочистостях і в театрі, де він супроводжував хор.

Шоум - інструмент менестрелів

Більше не можна з упевненістю встановити, чи є сучасні гобої прямими нащадками грецьких та римських інструментів з двома очеретами, чи вони були втрачені під час міграції народів у Європу та повернулися туди пізніше через Візантію та Азію.

Однак у Європі раннього середньовіччя використовувався інструмент, який складався з однієї трубки і був відомий як аїр (аїр - це латинське слово очерету). Саме від цього слова походить англійська назва shawm була похідною (як і німецька Шальмей і французи халемі та шалумо). Термін "шум" не обмежувався жодним окремим інструментом, а описував тип інструменту, на якому грали з однією або подвійною тростиною.

До родини ренесансного Шоума належали не тільки розсип, Dolcians та гайда але і бомбардувати або поммерні групи, які розцінюються як прямі попередники сучасних інструментів з двома очеретами.

Відповідно до звичаїв Відродження, родина бомбардувальників складався з інструментів будь -якої висоти, від високі частоти (третя октава вище середини С) до чудовий бас -шум (контраоктава). Файл високі частоти був найстарішим представником родини бомбардів і, як і всі бомбардувальники, мав вітрозахисну шапку, яку брали в рот для продування. Подвійний очерет знаходився всередині цього вітрозахисного ковпака, і музикант не торкався його, тому не мав можливості впливати на звук, який був відносно статичним.

В епоху Відродження грали переважно мандрівні менестрелі, які не спеціалізувалися ні на одному інструменті, але могли грати на кількох різних.

Від шаума до хатбоя

Протягом 17 -го століття високий трем перетворився на хобоя або hautboy (відомий у Франції як hautbois), який був налаштований на C. Цей ранній гобой більше не мав шапки, і губи музиканта безпосередньо контактували з двома очеретями, а це означало, що він зміг внести більше життя в звук інструменту. Трубка, виготовлена ​​з самшиту і на шаумі, була цілісною, тепер складалася з трьох частин, верхнього та нижнього з’єднань та дзвоника. Крім того, були додані три клавіші (хоча через короткий час вони були скорочені до двох). Дзвін був облямований обтискним обідком.

Ці нововведення виникли у Франції і, ймовірно, були в значній мірі пов'язані з приладобудівними сім'ями Хоттетерра (назва була вхідним словом для інноваційного приладобудування з 16 століття) та Філідора. Як і всі дерев'яні духові інструменти бароко, тембр солома відрізнявся у всьому діапазоні, оскільки проміжні ноти, які грали з перехрещеними пальцями, звучали більш завуальовано.

В кінці 17 століття сорокорубку прийняли до складу оркестру. Жан Батіст Луллі, придворний композитор "Короля -Сонця" Людовик XIV, ймовірно, використовував його у своєму балеті L'Amour Malade у 1657. Роберт Камберт включив інструмент у свою оперу Помоне у 1671 р. З цього моменту розквіт розквіту тривав до кінця 18 століття. За цей період до тридцяти гравців -хатбоїв були залучені до grande écurie, французький придворний оркестр.

Гобой, Європа, Аді Шлінгер, бл. 1730. Надано Хайнцем Прейсом (Musikinstrumentenmuseum Schloss Kremsegg, Австрія, Sammlung Streitwieser)

Починаючи з Франції, хатбой швидко набув великої популярності у всій Європі. На відміну від флейти, не існувало певних національних стилів або шкіл гри на гобої, спочатку музиканти передавали між собою найновіші техніки гри та інструменти. Бароковий хатбой був особливим випадком, оскільки це був єдиний інструмент, який можна було використовувати в будь -якому контексті - від військової до камерної музики до опери, оркестру та духовної музики.

В оркестрі спочатку хлопчиків використовували переважно для дублювання скрипок, хоча вони заявили про себе ще в класичний період і виконували свої власні функції. В оперному оркестрі вони отримали свої перші сольні ролі (обов'язковий) в аріях. Репертуар інструменту в камерній музиці спочатку складався переважно з творів для консортів (два гобої, два тенорові гобої [пізніше замінені рогами] та два фаготи). На початку 18 століття було створено незліченну кількість сонат, сюїт з басо -континуо, сюїт для тріо (гобой, флейта та скрипка) та концертів. У другій половині XVIII століття виник квартет гобоя (гобой із струнним тріо). Водночас хатбой поступово втрачав своє місце як провідний інструмент у військових ансамблях для кларнета.

У 18 столітті хатбой постійно зазнавав удосконалень у своїй конструкції та звучанні. Отвір був звужений (приблизно в середньому від 5,9 мм до 4,8 мм), очерет став вужчим і коротшим, стінки трубки стали більш тонкими, а отвори тону стали меншими. Прямим результатом цих заходів стало збільшення дальності: хоча діапазон приладу був заданий як С4 -D6 на рубежі 18 -го століття, він протягом наступних ста років збільшився до G6. Звук нового класичного хатбоя був більш вузьким і цілеспрямованим, ніж у попередників, і його гучність відповідала звуку скрипки або флейти.

Найвідомішими виробниками гобою того часу були Крістоф Делус та дует Томас Лот і Чарльз Бізі у Франції, Девід Деннер, Вільгельм Оберлендер та Карл Голде в Німеччині та Томас Станесбі та Калеб neyедні в Англії. У другій половині XVIII століття інструменти Августина Гренсера та Якоба Грундмана у Дрездені стали загальноприйнятими у всій Європі.

19 століття - механічна революція

У 1781 році Грюндманн додав третій ключ до гобоя, і з цього моменту німецькі виробники інструментів почали додавати все нові і нові ключі. Мета полягала в тому, щоб створити тональний отвір, який можна було б закрити клавішею для кожної половини тону, щоб перехресні пальці більше не були необхідними. Цієї тенденції дотримувалися у Франції, хоча і з деякими побоюваннями, оскільки багато музикантів вважали, що якість звуку погіршилася від надлишку клавіш.

Приблизно в 1825 році в Німеччині та Франції виготовляли гобої з п’ятнадцятьма тональними отворами та десятьма клавішами. Незважаючи на це, інструменти мали принципову відмінність, оскільки різна естетика звуку, що регулювала виготовлення гобоя, призвела до появи двох різних типів, які згодом стали називатися «французьким» гобоєм та «німецьким» гобоєм.

У Франції тенденція полягала у вузькій трубці, тонших стінках та тоншому очереті, тоді як у Німеччині була збережена ширша діафрагма разом із характеристиками класичного гобоя-товстостінної трубки, ущільнювального обідка навколо внутрішньої частини дзвінка, стовбура ( балясини) і кільця на верхньому з’єднанні з простим механізмом із ключами з довгими важелями, встановленими на дерев’яних брусках. Стефан Кох (1772–1828) та Джозеф Селлнер (1787–1843) розробили інноваційну версію у 1820 р. У Відні, яка поєднала в собі риси обох моделей: класичний зовнішній вигляд з отвором, надзвичайно вузьким за мірками того часу.

І французький гобой, і віденський “Гобой Селлернера-Коха” мали яскраве звучання і були чітко чутні в оркестрі, тоді як німецький гобой зберігав темніший тембр класичної епохи, що більше сприяло змішуванню тонів.

У Франції винахідливі виробники інструментів забезпечили гобой постійним потоком технічних інновацій, серед яких клавіша динаміка (що зробила непотрібним наддув), механізм, який уможливлював складну взаємодію важелів і ключів (представлена ​​сім’єю Трієберт), Теобальд Кільцевий ключ Бема (керування ключем за допомогою кільця на стрижні одночасно закривається інший тональний отвір) і штифтові пружини Огюста Баффета.

Теобальд Бем (1794–1881), підготовлений ювелір та флейтист, розробив революційну ключову роботу для поперечної флейти, яку з великим ентузіазмом сприйняли у Франції. Деякі частини цієї системи згодом були адаптовані для використання на інших дерев'яних духових інструментах, хоча радикально змінений гобой Бома не зміг завоювати визнання через його новий звук (як і фагот Бема).

Сучасні гобої

Починаючи з 1860 -х років і далі інструктор Фредерік Трієберт (1813–1878) разом з обоїстом Аполлоном М. Р. Барретом (близько 1804–1879) розробив гобої, які є прямими попередниками сучасних інструментів. Тріберта Систем 6 з його надзвичайно вузьким отвором і ключем динаміка був запатентований у 1872 р. Десять років потому професор гобоя Жорж Жилле оголосив його офіційною моделлю в Паризькій консерваторії. Після Другої світової війни ця модель консерваторії, дещо змінена, стала міжнародним стандартом.

Файл Віденська Гобой, який сьогодні грає в Австрії, є розробкою за моделлю, виготовленою в 1840 -х роках інструктором Карлом Гольде (1803–1873) у Дрездені. Його корпус все ще має класичну форму, з розширеним дзвоном, бочкою (балясиною) на верхньому суглобі та розширенням у суглобових шипах. Труби коротші і більш конічні, ніж труби Французька гобой. Ключова робота, що йде за зразком німецького механізму, була вдосконалена та розширена протягом 20 століття.

Хоча гобой використовувався майже виключно в оркестрі в 19 столітті, композитори 20 століття знову відкрили потенціал інструменту як сольного інструменту. Це в значній мірі було зумовлено видатними гобоїстами Леоном Гуссенсом (1897–1988), який встановив ряд прийомів, що полегшували гру (дихання на діафрагмі, розслаблена амбушура), і Хайнцу Холлігеру (1939 р.н.), який поширив незліченну кількість нових технік гри .


Музика стародавніх часів

Цей допис у блозі розповідає про першу музику, яку коли -небудь грали чи співали на Землі. Він досліджує величезний проміжок часу від 50000 років тому до падіння Римської імперії, що сталося близько 1500 років тому. Це 48 000 років людського музикування. На жаль, більшість музичних деталей цього часу приховані у непроникній темряві, яка існує між доісторією та нашими першими спробами писати. Отже, ця частина історії музики-її початок-є найменш зрозумілою, найменш документованою та найбільш спекулятивною. Хоча те, що ми мало знаємо, цікаве - тим більше, що будь -яке належне вивчення історії музики починається з вивчення речей, які люди знаходили в печерах і викопували з землі. Дійсно, перш ніж ми почнемо вивчати історію музики, давайте коротко оглянемо музичну археологію.

Музична археологія

Найдавніший доказ людського музикування-це 42 000-річна флейта, зроблена з крила грифа.

Він був знайдений у печері Хохле Фельс на півдні Німеччини. Печера також містила фрагменти флейти, зроблені з кістки мамонта, і найперший зразок образотворчого мистецтва - статуетку у формі жінки, відому як Венера Холе Фелс.

Перегляньте цей короткий кліп археолога Вульфа Хайна, який демонструє мелодію на копії старовинної флейти:

Ще однією цікавою археологічною знахідкою є т. Зв Стандарт Ур. Він був розкопаний у 1950 -х роках із стародавнього шумерського кладовища приблизно 2600 р. До н. Е. Це дерев’яний ящик із зображенням людей на бенкеті. На скриньці зображено кілька тварин, багато солдатів, король і - особливо для наших цілей - музикант, який грає на лірі.

А. ліра -інструмент, схожий на арфу, який був поширений ще за часів античності. Він мав десь в околицях семи струн і був зірваний пальцями або зіграний плектрумом.

Також на кладовищі були знайдені справжні музичні інструменти. Один із таких інструментів, Королева ліра, був знайдений у могилі королеви Пу-абі. Ліра Queen та інші арфи, знайдені під час розкопок, вважаються найстарішими струнними інструментами в світі, що збереглися.

Реконструкція однієї з лір, викопаних із стародавнього міста Ур

Тварина, представлена ​​на лірі королеви, бик, мала релігійне значення для шумерів. (Шумери були однією з перших культур на Землі, які вони жили близько 4000 років тому в сучасній країні Ірак.) Дані свідчать про те, що шумери та всі інші відомі нам древні люди використовували музику для посилення почуття трепету під час богослужінь.

Печерні картини, металеві брязкальця, кістяні флейти та цвинтарні ліри - все це дуже цікаво. Але вони належать до сфери археології, що не є центром уваги цієї публікації в блозі. Для того, щоб по -справжньому глибоко вивчати музику, нам потрібно увійти в сферу історії.

Історія музики

Історичні записи починаються з народження письменства близько 5000 років тому. З цього моменту окремим людям надається голос, розповідаються історії, і навіть можна почути трохи музики.

Прийнятим роком для створення письменства є 3200 р. До н. Е., Прийнятим місцем розвитку цієї забудови є Месопотамія. Тут письмо розвивалося протягом багатьох років за допомогою репрезентативних систем піктограм і фонограм - маркувань, які використовують зображення. Зрештою, символи змогли відтворити висловлювання, які могли розшифрувати інші люди.

Письмо було винайдено головним чином з метою ведення діловодства. Глиняні таблетки, відомі як клинопис, були позначені за допомогою клиноподібного стилуса і залишені для висихання-таким чином зберігаючи письмо.

Перші письмові докази музики-це піктограми на клинописних табличках, на яких зображені символи у формі арфи.

Найдавніший композитор, ім’я якого нам відоме Енхедуанна. Вона була аккадською жрицею, яка жила близько 2300 року до нашої ери. Деякі тексти її гімнів богу Місяця існують, але жодної музики не існує. Енхедуанна передував спробам людства захопити звук письмом. Найдавніша відома музика - мелодія з позначеннями - була знайдена на глиняній табличці 1450–1250 рр. До н. Е.

Він був виявлений у сучасній Сирії серед руїн стародавнього міста Угаріт.

Скрижаль, частина колекції подібних клинописних артефактів, написана шумерським діалектом, відомим як хурріанський, і містить гімн Ніккал - дружині бога місяця.

Музику та планшети називають Хурріанські пісні або як гімни культового хурріанства.

У 1970 -х роках група археологів та музикознавців на чолі з Енн Кілнер з Каліфорнійського університету розшифрувала одну з мелодій планшета та опублікувала короткий буклет та аудіозапис під назвою Звуки з Тиші.

Кілнер та її команда виявили, що планшет містить важливі деталі для музики, такі як інтервали між нотами, висота тону, яка буде використовуватися для мелодії, та умови виконання. Планшет передбачає, що музика має бути єдиним голосом у супроводі ліри.

(Наведене вище відео призначене тільки для сольної ліри. Це тому, що вокальна частина музики не розшифровувалася.)

Проблема вивчення хуррійських пісень з історичної точки зору полягає в тому, що не всі історики погоджуються з інтерпретацією Кілнера.

Історія західної музики автором Пітером Буркхолдером, Дональдом Гроутом та Клодом Паліскою, що є стандартним університетським текстом з цього предмету, коротко описується «Хурріанські пісні», згадуючи лише те, що «вчені запропонували можливі транскрипції музики, але нотація занадто погано зрозуміла для читання. з упевненістю ».

З іншого боку, музикознавець Річард Тарускін, здається, надає віри дослідженню Кілнера, коли він детально описує хуррійські пісні в Оксфордська історія західної музики.

У будь -якому випадку, справа в тому, що жодна музика з давніх часів не може бути інтерпретована з повною точністю. Музика середньовічного періоду - дві тисячі років у майбутньому з гімнів Хуррі - починає більш ніж поверхнево розшифровуватися для істориків.

Перш ніж ми заглибимося глибше в старовинну музику, може бути корисно розглянути види доказів, з якими тут працюють музикознавці. Історія західної музики пропонує чотири категорії:

  1. Малюнки та інші графічні зображення музикантів, інструментів та виступів
  2. Фізичні залишки самих інструментів,
  3. Писання про музику та музикантів у літературі та книгах з рекордами та,
  4. Нотована музика (найрідкісніша і затребувана).

Також може бути корисним розглянути порядок подій, що призвели до становлення стародавньої цивілізації. Спрощений варіант оповідання виглядає так: Люди в Месопотамія (сучасний Ірак) навчився вирощувати надлишки їжі десь близько 8000 року до нашої ери (це десять тисяч років тому).

В результаті вони залишилися в одному місці, розвивали міста та розвивали таку культуру, як мистецтво, музика та література.

Хоча цивілізація сформувалася незалежно в інших частинах світу, наприклад, у Месоамериці та у Китаї, цивілізація, що виникла з Месопотамії, породила форму музики, яку вивчали у цьому класі - відому як західна музика.

Завдяки дуже довгій серії завоювань, мінливих королівств, спадкоємності династів та асиміляції цивілізація поширилася по всьому Середземноморському регіону. Деякі помітні приклади цих цивілізацій включають єгиптян (3150 р. До н. Е.), Греків (800 р. До н. Е.) Та римлян (500 р. До н. Е.). Наведені дати є приблизними оцінками початку цих цивілізацій.

Звичайно, між цими трьома часами було багато часу. Наприклад, Стародавній Єгипет проіснував приблизно до 300 р. До н. Е., Через багато років після заснування Стародавньої Греції та протягом кількох століть після заснування Стародавнього Риму.

Усі три з цих стародавніх цивілізацій збігалися між собою у часи свого зародження, тривалості існування та часів падіння. Загальна тенденція часу для культурного центру середземноморського всесвіту, однак, досить чітка: це Єгипет, потім Греція, потім Рим. Усім трьом передують месопотамські культури, такі як шумери та аккадці, які були першими з перших.

З цих чотирьох цивілізацій ми найбільше знаємо греків. Отже, тепер ми звернемося до греків.

Музика в Стародавній Греції

Цивілізація Стародавньої Греції була музично новаторською з кількох причин.

Він побачив еволюцію нових інструментів, таких як aulos (інструмент з очерету, як сучасний кларнет, але з корпусом з подвійною трубою і отворами для пальців), він бачив, як вчені розвивали математичну теорію, щоб пояснити музичні інтервали та рухи неба, і він побачив міцний репертуар музики, призначений для супроводу поезії .

Насправді поезія і музика - це одне і те ж у грецькій думці. Через це обидві форми мистецтва позначені загальним терміном mousike, що також може стосуватися танців. Саме слово походить від муз, персонажів грецької міфології, які уособлюють натхнення для художнього творіння.

Отже, у Стародавній Греції, якщо ви читали вірші, ви співали, якщо співали, ви читали вірші. Є велика ймовірність, що ви також будете танцювати.

Через поєднання музики та поезії музикознавці досить впевнені, що ритм музики - частини, які грали та співали - контролювався метром слів. Це допомагає музикознавцю розшифрувати, як звучить музика.

Мабуть, найцікавішим аспектом грецької музики є те, як вони вважали це науково. Використовуючи інструмент під назвою монохорд, греки змогли виміряти точні співвідношення музичних інтервалів.

Наприклад, якщо ви звучите на струні на інструменті, наприклад, на гітарі або монохорді, грайте на тій самій струні, але цього разу зупиніть її на півдорозі (натиснувши пальцем вниз у точному центрі струни, вкоротивши її таким чином на 50) відсотків), це звучить удвічі вище, і тому існує у співвідношенні 2 до 1.

Це загальний інтервал і загальний звук у музиці взагалі. Він відомий музикантам як октаву. Це звук, який існує у всіх культурах і у всій музиці.

Починаючи з Піфагор -Знаменитий грецький математик багато інтервалів, що складають знайомий набір висоти тону, відомий сьогодні як мажорна гамма, були використані за допомогою цього монохорду. (Вважалося, що Піфагор жив близько 500 року до н. Е.)

Цікаво, що ці ж математичні співвідношення були використані для пояснення законів, що регулюють рух планет у небі.

Теорія Всесвіту виросла навколо вчення Піфагора. Ця теорія Всесвіту відома як Музика сфер.

Пов'язане поняття, відоме як Гармонія, що виникла з Музики сфер. Ідея Гармонії полягає в тому, що впорядковане ціле можна створити за допомогою рівних поділів і таким чином створити приємну гармонію.

Отже, той факт, що сьогодні в наборі висоти звуку було сім тонів, відомий як основний масштаб, і існувало сім речей, які рухалися по небу - Сонце, Місяць, Меркурій, Венера, Марс, Юпітер і Сатурн. що для греків астрономія і музика були пов'язані.

Поняття «Гармонія» та «Музика сфер» підказували древнім людям, що їх етичний характер, або етос, на нього може впливати музика.

Відомий грецький філософ Платон (428 р. До н. Е.) Продовжує цю справу у своїй великій праці, Республіка. Він пише, що з музикою треба шукати рівноваги, адже надто багато музики робить її слабкою і дратівливою, а надто мала робить її войовничою, нецивілізованою та неосвіченою. Він також запропонував, щоб ті, хто навчається правити, не слухали музику з тихими та безтурботними мелодіями.

Менш умоглядними і більш конкретними є два трактати з теорії музики, які майже завершують один фрагментарний, написаний Аристоксен.

Діяв близько 335 року до нашої ери, писав Арістоксен Елементи гармонії, що є тритомною обробкою всього відомого про музичні системи свого часу.

Це включає концепцію «Музика сфер», ідеї про правильне використання музики, а також макіяж та масштаби характерів.

Аристоксен відходить від Піфагора, пропонуючи використовувати вухо замість монохорду для виведення та налаштування шкали.

Інша робота Аристоксена, фрагментарна, - це короткий трактат про ритм і метрику. Про його деталі або зміст відомо не так багато.

Незважаючи на неоднорідні музичні докази, запропоновані в цих книгах, Аристоксен та інші стародавні греки зуміли пояснити нам сучасникам, що їхня музика має дуже специфічну текстуру. Історики впевнені, що більшість грецької музики була гетерофонічною.

Гетерофонія - це текстура музики, в якій основна мелодія співається і супроводжується тією ж мелодією з невеликими варіаціями.

Щоб уявити це, подумайте про людей, які співають З Днем народження разом. Зверніть увагу у вашому уявному хорі на день народження, як не всі співають мелодію точно так само. Хтось, зазвичай якийсь жартівник, відходить від мелодії і додає свої власні зміни. Ось так звучить текстура гетерофонії.

Наведена нижче діаграма допоможе вам зрозуміти, що таке гетерофонія, порівнявши її з трьома іншими поширеними музичними текстурами -монофонія, мелодія одного голосу поліфонія, більше однієї одночасної мелодії та гомофонія, мелодія, підтримувана блок -кластерами тонів.

Перегляньте це відео з гетерофонією в індійській музиці. Зверніть увагу, як голос жінки та ситар виконують приблизно однакову мелодію.

У Стародавній Греції поет і гравець аулосу продовжували працювати разом із приблизно однаковим музичним змістом і виконувати гетерофонічну текстуру.

Грецькі фрагменти, збережені в нотації

Що стосується стародавніх цивілізацій, у нас є досить багато музичного матеріалу греків. Тим не менш, все ще не надто багато творів - звичайно, недостатньо, щоб зрозуміти справжній грецький музичний канон в цілому.

Уявіть собі для порівняння, що протягом усього ХХ століття у нас майже не збереглося пісень. Скажімо, у нас було три пісні: Вдарь це Майкл Джексон, Чарльз відповідальний тематична пісня та Місячна серенада автор Гленн Міллер. Це б залишило істориків з досить короткозорим поглядом на музику ХХ століття, я б сказав.

Ну, щось подібне до того, що в грецькій музиці просто цього недостатньо, щоб точно представити форму, зміст чи стиль.

Тим не менше, у нас є чотири окремі нотатки, які є цілісними та розумно розшифровуються.

Вони - це Приспів Стасімона, частина епічної п’єси під назвою Орест(ah res tees), написаний Евріпідом у (408 р. до н. е.), у нас є два гімни, написані на пошану до Аполлона, відомі як Дельфійські гімни (138 р. До н. Е. І 128 р. До н. Е. Відповідно), і ми маємо повну мелодію і набір слів, накреслених на надгробку, відомому як Епітафія Сейкілоса.

Найбільш повний і добре зрозумілий фрагмент цього лоту-це епітафія.

Вона була написана в першому столітті нашої ери, досить пізно. Музикознавці майже впевнені в тому, як це має звучати, роблячи це найдавнішою мелодією, в якій ми впевнені. Це означає, що, слухаючи її, ви можете бути впевнені, що чуєте щось так само, як це звучало дві тисячі років тому.

Приспів Стасімона з п’єси Евріпіда Орест є фрагментарним. As you can see below it exists on a papyrus scroll in which the margins are missing.

Listen to a recreation of the Euripides song here:

The Delphic Hymns also exist in fragmentary form. Here they are preserved at the Delphi Archaeological Museum.

Here is ancient music expert Michael Levy talking about the Delphic Hymns and performing the first one on lyre:

Roman Music

Oddly, even though the high cultures of Ancient Rome occur after that of Ancient Greece, we know very little about Ancient Roman music.

Most scholars suggest that musical thought and traditions established under the Greeks held sway throughout the Roman period.

Musicologist do say, however, that in Ancient Rome, musical contests were popular. (Imagine something like today’s American Idol.) This suggests that music, like other aspects of Roman life, was a kind of spectacle meant to be consumed like a sport.

Резюме

The best way to organize your mind around this material is with a timeline. Here are the facts, figures, and works most representative of ancient music listed in chronological order:

  • 40,000 BCE—Bone flute
  • 8000 BCE—Birth of civilization
  • 6000 BCE—Turkish wall paintings
  • 3200 BCE—Birth of writing
  • 1450-1250 BCE—Hurrian Songs
  • 800 BCE—Beginning of Greek city-states
  • 500 BCE—Pythagoras
  • 408 BCE—Stasimon Chorus from Euripides’ Orestes
  • 380 BCE—Plato writes The Republic
  • 335 BCE—Aristoxenus, The Elements of Harmony
  • 138 BCE— and 128 BCE—The Delphic Hymns
  • 100 CE—Epitaph of Seikilos

That’s it, guys—just five songs (there are two Delphic hymns).

Even taking the Hurrian songs as the beginning—which they’re not, really—that’s still two thousand years being represented by five songs. That’s like representing modern music with the Charles in Charge theme song, Megadeth’s “Symphony of Destruction,” Beethoven’s “Moonlight Sonata,” a song I wrote in high school, and “Whip it” by Devo. What a myopic view of humanity’s musical output that list of source material would provide.

As a point of comparison, in 1917 there were thousands of songs written, published, and recorded some of these songs became huge hits and sold over a million copies.

Цитовані

Taruskin, Richard. The Oxford History of Western Music . Oxford University Press: New York, 2010.

Grout, D., Burkholder, J., & Palisca, C. A History of Western Music . New York: Norton, 2014.

Bauer, S. The History of the Ancient World: From the Earliest Accounts to the Fall of Rome. Нью -Йорк: W.W. Norton, 2007.

Abraham, G. The Concise Oxford History of Music . London: Oxford University Press, 1979.

Randel, D. The Harvard concise dictionary of music and musicians. Cambridge, Mass. Belknap Press, 1999.

Cave of Forgotten Dreams . Direct by Werner Herzog. Creative Differences Productions, Inc., 2011.


First key added in the latter half of the seventeenth century

Various refinements have been added to the flute since the Renaissance period.
Early flutes did not feature keys. Flutes in the Renaissance period were of extremely simple construction, consisting of a cylindrical body with an embouchure hole (mouthpiece) and seven finger holes. They could also only produce certain semitones.
In the latter half of the seventeenth century, flutes with a conical body and a single key attached began to appear. With this mechanism, for the first time virtually all semitones could be played on the flute. Today this instrument is known as the "baroque flute."


Music in Films


Research on the evolutionary origins of music mostly started in the second half of the 19th century, and was much discussed within Music Archaeology in the 20th Century. After the appearance of the collection of articles "The Origins of Music" (Wallin, Merker, Brown, 2000) the subject was a debated topic of human evolutionary history. There are currently many hypotheses (not necessarily conflicting) about the origins of music.

Some suggest that the origin of music likely stems from naturally occurring sounds and rhythms. Human music may echo these phenomena using patterns, repetition and tonality. Even today, some cultures have certain instances of their music intending to imitate natural sounds. In some instances, this feature is related to shamanistic beliefs or practice. It may also serve entertainment (game) or practical (luring animals in hunt) functions.

Even aside from the bird song, monkeys have been witnessed to beat on hollow logs. Although this might serve some purpose of territorialism, it suggests a degree of creativity and seems to incorporate a call and response dialogue.

Explanations of the origin of music depend on how music is defined. If we assume that music is a form of intentional emotional manipulation, music as we know it was not possible until the onset of intentionality - the ability to reflect about the past and the future. Between 60,000 and 30,000 years ago humans started creating art in the form of paintings on cave walls, jewelry and so on (the "cultural explosion"). They also started to bury their dead ceremonially. If we assume that these new forms of behavior reflect the emergence of intentionality, then music as we know it must also have emerged during that period.

From a psychological viewpoint, the question of the origin of music is difficult to answer. Music evokes strong emotions and changed states of awareness. Generally, strong emotions are associated with evolution (sex and survival). But there is no clear link between music and sex, or between music and survival. Regarding sex, musicians often may use music to attract mates (as for example male birds may use their plumage to attract females), but that is just one of many functions of music and one of many ways to attract mates. Regarding survival, societies with a musical culture may be better able to survive because the music coordinates their emotions, helps important messages to be communicated within the group (in ritual), motivates them to identify with the group, and motivates them to support other group members. However it is difficult to demonstrate that effects of this kind can enhance the survival of one group in competition with other groups. Once music exists, effects of this kind may promote its development but it is unclear whether they can explain music&rsquos ultimate origin.

Another possible origin of music is motherese, the vocal-gestural communication between adults (usually mothers) and infants. This form of communication involves melodic, rhythmic and movement patterns as well as the communication of intention and meaning, and in this sense is similar to music. Motherese has two main functions: to strengthen bonding between mother and infant, and to help the infant to acquire language. Both of these functions enhance the infant&rsquos chances of survival and may therefore be subject to natural selection.

Motherese has a gestural vocabulary that is similar across cultures. The way mothers and babies raise and lower their voices and simultaneously change their expressions and move their hands is similar in Asia and Europe, for example (in spite of linguistic differences such as tone languages versus non-tone languages). The apparent universality of motherese could be explained either genetically or by universals of the human environment. A genetic explanation for the vocabulary of motherese would have to be biological and evolutionary no such explanation has yet been found. Regarding environment, motherese may stem from universals of the prenatal environment. The human fetus can hear for 20 weeks before birth &ndash considerably longer than other animals, most of which cannot hear before birth at all. The fetus can also perceive movement and orientation for 20 weeks before birth. This is presumably not an accident of evolution, but an adaptation that promotes the survival of the infant after birth by improving bonding between the infant and the mother. If the fetus learns to perceive the emotional state of the mother via the internal sounds of her body (voice, heartbeat, footsteps, digestion etc.), it can presumably adjust its postnatal demands (e.g. crying) depending on her availability and in that way enhance its own survival as a fragile being in a dangerous world. Research on the ability of the fetus to learn and remember sound patterns, and on the active two-way nature of mother-infant communication, is consistent with this theory. If this theory is true, the internal sounds of the human body and the relationship between those patterns and emotional state may be the ultimate source of the relationship between patterns of sound and movement in music and their strong emotional connotations. This theory is consistent with the universal link between music and religion and the changed states of consciousness that music can co-evoke.

Charles Darwin&rsquos idea about the importance of music for human sexual selection found a new development in Miller&rsquos idea of the role of musical display for "demonstrating fitness to mate". Based on the ideas of honest signal and the handicap principle, Miller suggested that music and dancing, as energetically costly activities, were to demonstrate the physical and psychological fitness of the singing and dancing individual to the prospective mates. Critics of this approach note how in most species where singing is used for the purposes of sexual selection through female choice, only males sing (as it is males, who are trying to impress females with different audio and visual displays), and besides, males as a rule sing alone.

Among humans both males and females are ardent singers, and making music is mostly a communal activity. Communal singing by both sexes occurs among many cooperatively breeding songbirds of Australia and Africa such as the butcherbirds, fairywrens, white-browed sparrow weaver and Turdoides species, but is absent from non-hominid mammals.


IMPORTANT EVENTSin Music

Процитуйте цю статтю
Виберіть стиль нижче та скопіюйте текст для своєї бібліографії.

"Important Events in Music ." Arts and Humanities Through the Eras. . Encyclopedia.com. (June 1, 2021). https://www.encyclopedia.com/humanities/culture-magazines/important-events-music-0

"Important Events in Music ." Arts and Humanities Through the Eras. . Retrieved June 01, 2021 from Encyclopedia.com: https://www.encyclopedia.com/humanities/culture-magazines/important-events-music-0

Стилі цитування

Encyclopedia.com надає вам можливість цитувати довідкові записи та статті відповідно до загальних стилів з Асоціації сучасної мови (MLA), Чиказького посібника зі стилю та Американської психологічної асоціації (APA).

У інструменті «Цитувати цю статтю» виберіть стиль, щоб побачити, як виглядає вся доступна інформація, якщо її відформатувати відповідно до цього стилю. Потім скопіюйте та вставте текст у свою бібліографію чи список цитованих творів.


Clarinet history timeline

ClarinetFest 2018 In the later 19th century, advancements in manufacturing allowed the first machine-made reeds and hard rubber mouthpieces to be made. For submissions please contact:

Once the clarinet became known in composer circles, adoption of the instrument was swift. During his youth, Adolphe studied the clarinet and flute at Brussels Conservatory.

History of the bass clarinet The first record of a bass clarinet comes from France toward the end of the eighteenth century.

The oboe shares some common ancient ancestry with others in the woodwind family, most especially the bassoon. He also developed a key known as a ring key that allows the player to cover a hole larger than the finger pad. To get the free app, enter your mobile phone number. Oboe, treble woodwind instrument with a conical bore and double reed. Period: Nov 26, 1686 to Jun 4, 1843 The Clarinet: A Brief History JavaScript seems to be disabled in your browser.

Ca. Ironically, the Boehm system did not become popular in Boehm's home country.

Sept. 5, 2020. Competitions History of the Clarinet []. Advanced Professional Level String Basses, Most Popular Electric Stringed Instruments, Woodwind Maintenance and Cleaning Supplies, Fiberglass and Carbon Fiber Woodwind Cases, Brass Instrument Brushes and Cleaning Tools, Brass Instrument Maintenance and Cleaning Supplies, Instrument Stands, Stabilizers & Transport. His father's passion for creating musical instruments influenced him greatly and he began plans to improve the tone of the bass clarinet.What he came up with was a single-reed instrument … The clarinet was a revolutionary development at about 1700, built upon the chalumeau. Clarinet Learning Community at ClarinetFest® 2021. Top subscription boxes – right to your door, © 1996-2020, Amazon.com, Inc. or its affiliates. ClarinetFest 2021 Reno rollover process now complete! The chalumeau was a shepherd's instrument intended for solo play that had a very simple design similar to today's recorder. For a comprehensive history of the association written by ICA past president and historian Alan E. Stanek, including photos and more, please click here. The Gillespie Library The chalumeau was a shepherd's instrument intended for solo play that had a very simple design similar to today's recorder. Prime members enjoy FREE Delivery and exclusive access to music, movies, TV shows, original audio series, and Kindle books. The Boehm clarinet includes 17 keys, moveable rings, needle springs, and a wooden body, hence why it is called a "woodwind" instrument. BuzzReed, [email protected] How well do you know the history of the clarinet?

A Brief History of Metal and Silver Clarinets During the first half of the Twentieth Century, hundreds of thousands of metal clarinets were produced. The lower register of the clarinet is still known as the "chalumeau register.". Webster's timelines cover bibliographic citations, patented inventions, as well as non-conventional and alternative meanings which capture ambiguities in usage.

The oboe proper was the mid-17th-century invention of two French court musicians, Jacques Hotteterre and Michel Philidor.

Calendar Haydn, Ruggi, Molter, Schumann, Brahms and Gluck were also notable composers for the clarinet. In the 3rd century B.C., the Egyptians created an instrument called the memet, a double clarinet also called a zummāra.It had a double bore, like the double-reeded Greek instrument aulos, but each bore was a single-reed instrument, much like the modern day clarinet.The zummāra’s two pipes were parallel so that with each finger the player covered two holes, … Your recently viewed items and featured recommendations, Select the department you want to search in, + No Import Fees Deposit & $11.98 Shipping to Japan.

Adolphe Sax was born on Nov. 6, 1814, in Dinant, Belgium. We don’t share your credit card details with third-party sellers, and we don’t sell your information to others.


Стародавня Греція

One of the favorite forms of entertainment for the Ancient Greeks was the theater. It began as part of a festival to the Greek god Dionysus, but eventually became a major part of the Greek culture.

How big were the theaters?

Some of the theaters were quite large and could seat over 10,000 people. They were open-air theaters with tiered seating built in a semi-circle around the main stage. The bowl shape of the seating allowed the actors' voices to carry throughout the entire theater. Actors performed in the open area at the center of the theater, which was called the orchestra.

  • Tragedy - Greek tragedies were very serious plays with a moral lesson. They usually told the story of a mythical hero who would eventually meet his doom because of his pride.
  • Comedy - Comedies were more light-hearted than tragedies. They told stories of everyday life and often made fun of Greek celebrities and politicians.

Many plays were accompanied by music. Common instruments were the lyre (a stringed instrument) and the aulos (like a flute). There was also a group of performers near the front of the stage called the chorus that would chant or sing together during the play.

Actors, Costumes, and Masks

The actors wore costumes and masks to play different characters. The masks had different expressions on them to help the audience understand the character. Masks with large frowns were common for tragedies, while masks with big grins were used for comedies. The costumes were usually padded and exaggerated so they could be seen from the back seats. All of the actors were men. They dressed up as women when playing female characters.

Did they have any special effects?

The Greeks used a variety of special effects to enhance their plays. They had ways of creating sounds such as rain, thunder, and horses hooves. They used cranes to lift actors up so they appeared to be flying. They often used a wheeled platform called an "ekkyklema" to roll out dead heroes onto the stage.

Famous Greek Playwrights

The best playwrights of the day were famous celebrities in Ancient Greece. There were often competitions during festivals and the playwright with the best play was presented an award. The most famous Greek playwrights were Aeschylus, Sophocles, Euripides, and Aristophanes.


Подивіться відео: Son e canna (Жовтень 2021).