Історія Подкасти

Проект художника: доколумбійське золото - Терезіта Фернандес

Проект художника: доколумбійське золото - Терезіта Фернандес

>

Тересіта Фернандес на доколумбійському золоті

"Ми знаємо, що це символізує велич, і все ж у нас є лише кілька прикладів, щоб на це вказувати".

«Проект художника» - це онлайн -серія 2015 року, в якій ми даємо художникам можливість відповісти на нашу енциклопедичну колекцію.


Розкопане місце: Інтерв'ю з Тересітою Фернандес

Фата Моргана, 2015. Вид подання. Парк Медісіон -сквер, Нью -Йорк
2015-2016 роки. © Тересіта Фернандес. Фото: Елізабет Бернштейн. Надано художником, Lehmann Maupin, Нью -Йорк та Гонконг, та Anthony Meier Fine Arts, Сан -Франциско.

ТЧерез свої скульптури, малюнки та інсталяції художниця Тересіта Фернандес послідовно розширює визначення пейзажу, переміщуючи уявлення про місце в концептуальну сферу, яка одночасно спокушає та кидає виклик глядачеві. Питання Де я? набухає в Що тут сталося?, Хто був тут до мене?поряд з більш метафізичними Як моя присутність визначає це місце та мій досвід з ним?

Ліндсі Девіс: Ви сказали, що слово «пейзаж» часто ліниво вживається. Я бачу вашу роботу як створення скульптурних ландшафтів, один з акцентом на ЗЕМЛЮ та «ландшафт, який вимагає переміщення тіл у ньому та навколо нього». Як ви бачите, як у вашій роботі використовуються традиційні уявлення про пейзаж, і як ви бачите, що вона працює проти тих самих уявлень?

Тересіта Фернандес: Я вибираю багато усталених ідей ландшафту, але я також допитую їх і намагаюся запропонувати дуже різну серію лінз, щоб підкреслити те, що означає слово «пейзаж». І тому, коли я кажу, що він використовується ліниво, це означає, що, особливо для Заходу, ми вживаємо це слово майже в значенні традиційного зображувального зображення, яке походить від європейського пейзажного живопису та/або американського пейзажного живопису. Тож це дуже обмежене уявлення про те, що таке ідея ландшафту, особливо якщо подивитися на незахідні традиції-і не лише традиції, а концептуалізації того, що таке місце та ландшафт. Це абсолютно інша мова і зовсім інший набір орієнтирів для розуміння цієї ідеї місця та власного розташування як розширення.

Сліпа земля (зелене дзеркало), 2013. Два шари полірованої нержавіючої сталі з точним різанням, 46,5 х 70,5 дюйма. Надано художником і Леманном Мопіном, Нью -Йорком та Гонконгом.

Л.Д .: Антропоморфізм у ваших скульптурах, здається, надає вашим творам фантастичних відчуттів - ніби вони з іншої планети, подібної до нашої, або що елементи нашого світу розглядаються крізь призму стриманої елегантності. Чи є певне місце, куди ви сподіваєтесь, що ваша робота переносить глядачів, або певне відчуття, яке, як ви сподіваєтесь, це дає їм?

TF: Більше ніж особливе почуття, реакція, яку я найбільше ціную у глядача, - це інтимність. Якщо ви думаєте про місця, з якими ви маєте зв’язок, ви маєте дуже суб’єктивну та дуже особисту близькість з цими місцями.

Я питаю: “ де я? Як це місце існує в нашій колективній уяві? ” Таким чином, ландшафт означає повністю сконструйоване уявлення, яке дуже далеко від будь -якої фізичної перспективи перед вами.

Думаю, це відчуття близькості - це транспортування. Це ідея, пов’язана з феноменологією, яка, через відсутність кращого слова, є різновидом значного мріяння. Йдеться про те, щоб спроектувати себе на щось і рухатись простором без необхідності фізичного переміщення через нього. Це інший спосіб заселення місця або інший аспект, скажімо, заселення місця. І антропоморфізм дійсно має відношення до свого тіла по відношенню до місця. Я робив твори, які буквально посилаються на тіло, наприклад, я робив серію творів, які стосувалися дуже специфічного сільського ландшафту на Кубі під назвою Віньялес, і я багато часу проводив у самих печерах Віньялес. Я зробив серію малюнків, які були такими видами пейзажу, обрамленими всередині печер. Твір під назвою Віньялес (шийка матки) припускає, що відкриття печери є посиланням на жіноче тіло. Ще один скульптурний твір із цієї серії отримав назву Віньялес (лежача оголена). Немає фігури, моя робота ніколи не є образною сама по собі, але ця фігура завжди мається на увазі, і часто ви, глядач, функціонують як фігура в пейзажі. У нас є це загальноприйняте уявлення про «фігуру в пейзажі», але у своїй роботі я намагаюся дати інше відчуття того, що це означає, відчуття, що ви перебуваєте в ландшафті, але пейзаж також є у вас. Таким чином, пейзаж стає тим, що не є фіксованим, формування того, що ви думаєте про місце, стає суто суб’єктивним і постійно розвивається.

Сліпа земля (зелене дзеркало) (детальна інформація), 2013. Два шари полірованої нержавіючої сталі з точним різанням, 46,5 х 70,5 дюйма. Надано художником і Леманном Мопіном, Нью -Йорком та Гонконгом.

Л.Д .: Де ідеї перевезти глядачів кудись інше та змінити існуюче оточення перетинаються у вашій роботі?

TF: Робота працює як підказка. Так само, як і коли ви перебуваєте в реальному ландшафті, насправді половина того, що ви бачите, - це те, що ви до нього доводите. Робота пропонує вам заповнити пропуски. Знову ж таки, я маю таку взаємність із глядачем, але робота не може створити лише цей ефект. Існує певна готовність брати участь, проектувати на цю річ, розгадувати щось досвідчене, що є найважливішим.

Мене часто цікавлять видобуті матеріали - матеріали з певних місць. Наприклад, графіт, який я використав, із Шрі -Ланки. Я використовував золото, пірит і залізну руду. Ці матеріали буквально є частинами місць. Вони фізично витягнуті з певних місць - у цьому сенсі частина справжнього ландшафту. Коли я створюю новий образ із використанням цієї сировини, він завантажується одночасно кількома речами. Він стає одночасно пейзажем, з якого він вийшов, як матеріал, але також і вторинним образом, який створюється, який може бути зовсім іншим і не пов’язаним між собою. Тому я граю з цим уявленням, що ми завжди знаходимось у багатьох місцях одночасно і що кожне місце, про яке ми думаємо, насправді є своєрідним нашаруванням, укладанням багатьох місць, будь то фізичні чи уявні, чи запам'ятався.

Віньялес (лежача оголена), 2015. Wakkusu ® Бетон, бронза та малахіт, 48 x 64 x 101 дюйм. Надано художником і Леманном Мопіном, Нью -Йорком та Гонконгом.

Л.Д .: Багато ваших скульптур перевертають уявлення про їхні теми -Водоспад майже індустріально розвивається за своєю особливою продукцією, тоді як Дюна це сходи, на які ви не піднімаєтесь. Схоже, природні стихії, які досліджує ваша робота, вимагають людської присутності для повного розуміння. Як ви бачите людей як вічно присутній частину самого ландшафту?

TF: Якщо ви подивитесь на стародавні китайські пейзажні ідеї, вони не відокремлені від глядача. Це не схоже на те, що ви перебуваєте в ландшафті або ви є привілейованою особою, яка бачить те, що вас оточує. Ви більше інтегрована складова ландшафту. Мене справді цікавить та взаємність, яку ви одночасно дивитесь на пейзаж, але пейзаж дивиться і на вас. Насправді ви також створюєте цей пейзаж, ви є активною частиною того, що це таке. Ці ідеї я використовую у своїй роботі, коли я роблю інсталяцію для конкретного сайту або коли я роблю основну роботу, яка посилається на певне місце. Мене цікавлять не тільки фізичні координати місця, але й таке уявлення, що ми завжди дуже активно розміщуємось та шукаємо себе, змінюючи положення всередині місця. Знову ж таки, ідея ландшафту - це не фіксована ідея, це скоріше відчуття, що ми постійно ведемо переговори та переосмислюємо свою присутність у ньому. Це стає способом погляду на місце як одночасно з дієсловом та іменником. Отже, у вас є фізичне місце, але ви також активно розміщуєтесь у ньому.

Віньялес (лежача оголена) (детальна інформація), 2015. Wakkusu ® Бетон, бронза та малахіт, 48 x 64 x 101 дюйм. Надано художником і Леманном Мопіном, Нью -Йорком та Гонконгом.

LD: Чи можете ви трохи розповісти про свій процес створення інсталяцій для конкретного сайту? До яких аспектів місця ви найбільше пристосовані?

TF: Коли я роблю щось для конкретного сайту, я запитую себе: "Де я?" Це дуже просте питання, але також дуже завантажене, залежно від того, як ви його ставите. Оскільки історії дуже суперечливі та перекошені, я часто задаю собі таке питання щодо місця: Де я історично, фізично, соціально, географічно, расово? Де ці координати? Що навколо мене? Що станеться, якщо я викопаю яму на триста футів вниз, що я знайду? Що вище мене? Це уявлення про те, що пейзаж знаходиться також за головою, під ногами та над головою, а не щось, що ми відчуваємо лише фронтально, означає, що ви також рухаєтесь місцями, а вони, у свою чергу, рухаються крізь вас.

Я дивлюся на місце не просто як на фізичне, а як на уявне місце - дійсно думаю про місця та ландшафти як про історію людських істот, а не як про ці статичні місця. Пейзаж від одного століття до наступного може виглядати зовсім інакше, звичайно, якщо він знаходиться поблизу міського середовища. І здебільшого багато аспектів історії фізичного сайту можуть залишатися абсолютно непомітними для сучасного глядача.

Водоспад, 2000. Алюміній, пластик, 144,09 x 144,09 x 335,83 дюйма. Надано художником, In Arco, Torino and Lehmann Maupin, New York and Hong Kong.

Л.Д .: Багато ваших творів відмовляються від визначення початкової та кінцевої точки, але Фата Моргана дав глядачам чіткий запис, місце, де вони стали частиною роботи. У яких публічних інсталяціях ви бачите людей, які переходять від перехожих до глядачів до частини самого твору мистецтва?

Я вважаю всіх цих трьох взаємозамінними. З Фата Моргана (2015) у парку Медісон -Сквер, понад п’ятдесят тисяч людей на день проходили цим парком та під шматочком. Незалежно від того, вибирали вони це чи ні, їх проектували на твір, а також проектували на спільний простір з іншими пасажирами та перехожими. У випадку з цим конкретним проектом, я мав демократизуючий вплив на те, як я використовував публічну сферу та публічний простір, і це означало, що як перехожий ти був глядачем, а також був твором мистецтва. Художнє творіння - це не метал, не сталь чи опори, а швидше динамічна поверхня, створена людьми, що взаємодіють з нею, і змінне світло. Тож від одного моменту до наступного твір може виглядати зовсім інакше. Проект був майже як барометр до космосу та зміна атмосферних умов та світла та всіх навколо. Це було ніби одне гігантське дзеркало для самого місця та для міської діяльності Нью -Йорка.

Дюна, 2002. Пофарбований алюміній, скляні намистини, 336 x 60 x 96 дюймів. Надано художником і Леманном Мопіном, Нью -Йорку та Гонконгу.

Л.Д .: Ваша робота послідовно переплітає культури та місцезнаходження, але якимось чином представляє їх усі. Які місця ви відвідали, що вас особливо вразило, і ви знали, що повинні включити у свою роботу елемент?

TF: Я багато подорожую з самого початку своєї кар’єри. Я довгий час просто проводив резиденції в різних місцях, тому, звичайно, Японія - це дуже важливе місце для мене, і багато моєї інформації про ландшафт, а також про близькість, я думаю, прийшло з мого часу перебування в Японії. Є деякі специфічні пейзажі, які важливі для мене, тому що я проводив там час. Балі - важливе місце для мене Куба - це важливе місце, тому що звідси походить моя родина. Це історично дуже багатий пейзаж, повний складних людських оповідань.

Мистецтво не має бути ілюстрацією тих місць. Насправді у мене дуже універсальна чутливість до місць. Одна з найцікавіших речей у тому, щоб бути художником, полягає в тому, що моя робота базується на цьому дуже дивному способі зв’язування та встановлення зв’язків між речами, які зазвичай не мають нічого спільного. У роботі є своєрідна універсальність, так що в цьому ж я міг би посилатися на дуже європейський образ чи ідею, прошарковану чимось, що прийшло з дуже японського досвіду, з історичним твором американської літератури, який я читав у чомусь іншому . І в цих посиланнях немає ієрархії, тому що я не ілюструю жодної з цих речей, я фактично встановлюю зв’язки між ними нетрадиційними способами та через дуже особистий об’єктив.

Нічне письмо (Герой і Леандр), 2011. Кольорова та фасонна паперова маса з чорнилом, зібраним із дзеркалом, 49,21 x 66,14 дюйма. Надано художником, Lehmann Maupin, New York та STPI Singapore.

Л.Д .: То ви б сказали, що це не стільки єдиний досвід, який ви відчуваєте в місці, яке керує вашою роботою?

ТФ: Іноді це буде один дуже дивний факт про таке місце, як Борроудейл, Англія, наприклад. Моя скульптура Drawn Waters (Borrowdale) (2009) - це посилання на Борроудейл, Англія, місце, де графіт був відкритий у 1500 -х роках. Цей один факт, ідея, що олівці, а отже, і малюнки, з’явилися буквально з цього пейзажу, який був просто суцільним графітовим під землею. Ідея того, що олівець, яким ви малюєте, могла прийти з фізичного ландшафту, де ви могли б стояти на цьому пейзажі, а все, що у вас під ногами, було б із твердого графіту, стало для мене ще одним способом подумати про акт малювання.

Іноді це буде просто одна химерна деталь, яка приваблює мене до певного пейзажу. Важливим є не великі відкриті характеристики, а химерна деталь, яка стосується чогось іншого, принаймні в моїй думці. Озираючись заднім днем, після того, як я працюю над роботою і налагоджую ці зв’язки, я надаю їм форму і чутливість. Але заздалегідь дуже загадково і складно встановлювати ці зв’язки між речами та місцями - це винахідницька, концептуальна та складна частина мого процесу.


Потужне мистецтво Тересіти Фернандес відкриває історію колоніального насильства на Карибах

Деякі художники тренують погляд на дрібницях життя. Тересіта Ферн & aacutendez - не одна з них. Її мистецтво, за її словами, рухається бажанням дізнатися більше про стан людини та способи, якими минуле продовжує впливати на сьогодення. “I ’m цікаво завжди тільки для себе: Де я? Що це за місце? Так багато з нас навіть не знають власної історії ", - сказала вона.

Протягом своєї кар'єри Ферн і Аакутендес, яка народилася в Майамі у кубинських батьків у вигнанні, взяла на себе завдання вивчити власну культурну лінію, зосередившись на Карибах та її інтелектуалах, таких як кубинський поет і філософ Жос і естрада Март і Якут, ямайська письменниця Сільвія Вінтер, поет зі Сент-Люкіана Дерек Уолкотт і філософ з Мартінікана і Екаутуар Гліссан. & ldquoЦе & rsquos - це поточний науково -дослідний проект, щоб дізнатися про те, хто я, ” вона сказала, “ а також про стирання корінних корінців, що лежить в основі Карибського басейну. & rdquo

Однак багато з цих джерел можуть бути нелегко помітні в її скульптурах та інсталяціях, і її остання робота підтверджує ці впливи дещо невидимими способами. Під час соціального дистанціювання у листопаді перед своєю новою персональною виставкою у Нью -Йорку у Нью -Йорку у галереї Леманна Мопіна Ферн & aacutendez згадувала свій час, проведений у Європі в рамках програми навчання за кордоном та відвідування тамтешніх музеїв. Вона зрозуміла, що все багатство, яке демонструвалося в музеях і соборах, можна простежити за експлуатацією Карибського басейну та працею поневолених людей.

& ldquoЯ по -справжньому зацікавився тим, як ми можемо деколонізувати те, як ми думаємо про цей регіон, який для більшості країн світу - це периферія, ця крихітна річ на краю чогось, що часто дуже вульгарно асоціюється з відпочинком чи курортами, & rdquo вона сказала. & ldquoЦе & rsquos цей рай, де справжні люди якимось чином & ndquot роблять зображення & mdashthey ​​& rsquore невидимим. & rdquo

Для свого шоу Леманна Мопіна під назвою & ldquoMaelstrom & rdquo, яке триватиме до 23 січня, Fern & aacutendez створила кілька нових робіт, які розглядають історії колоніалізму в Карибському басейні, зокрема Пуерто -Ріко. (Поряд з цим, вона також пропонує мікросайт “ візуальний нарис ” для контекстуалізації творів та пропонує додаткове читання, яке вона описала як шоу ’s “, що лежить в основі соціальної структури. ”) & ldquoМи часто перебуваємо в цьому умовному режимі спосіб історично говорити про колонізацію так, ніби це щось таке, що сталося давно. Але Пуерто -Ріко - це цей експеримент з колонізації, який ніколи не закінчувався ", - сказав Папороть & aacutendez, назвавши його найстарішою колонією світу.

Постійна колоніальна історія Пуерто-Ріко та rsquos інформує про одну з серій шоу ’s, & ldquoHurak & aacuten, & rdquo, яка складається з 20 абстрактних колажів змішаної медіа розміром 6 на 8 дюймів, які Fern & aacutendez створила раніше цього року, одна у своїй студії під час першого блокування пандемії та rsquos, процес, який вона описала як «ldquocathartic» (& ldquo Єдине місце у світі, де урагани називають ураганами, - це Карибське море, & rdquo Fern & aacutendez додано.)

Кожна робота в серії названа на честь історичного урагану & mdashМарія, Катріна, Палома, навіть Терезіта. Зокрема, імена жіночі, і Fern & aacutendez пов'язує це з історичною та існуючою практикою примусової стерилізації для кольорових жінок в Америці, яка триває в Пуерто -Ріко з 1930 -х років. Між 1930 і 1970 роками 35 % пуерториканських жінок були змушені стерилізуватися. Деякі з цих жінок також повинні були, часто несвідомо, брати участь у клінічних випробуваннях, які призвели до розробки протизаплідних таблеток. & ldquoЦі препарати були схвалені FDA, оскільки вони були випробувані на пуерториканських жінках ",-сказала вона.

Fern & aacutendez, яка виграла стипендію MacArthur “genius ” у 2005 році, добре знайома з цією історією медичних експериментів, тому що її пережила її мати. Коли її мамі було 24 роки, її змусили зробити гістеректомію в США. & ldquoЦе завжди називалося la operaci & oacuten, & rdquo Папороть & aacutendez додала, “ З ними трапилося те, про що вони навіть не знали. & rdquo

Але, за словами F & eacuternandez, це не тільки жахливі казки з минулого, вони також є і реальними подіями сьогодення, і про це свідчать останні викриття викривачів про вимушену стерилізацію в місцях позбавлення волі з ДВС, насамперед про жінок Карибського моря. & ldquoСерія - це спосіб взяти до уваги всі ці насильницькі випадки та рецидиви, скласти їх і розхитати навколо цього насильства, жорстокого поводження та дегуманізації деяких тіл жінок. Це велика частина історії Карибського басейну, - сказав Папороть & aacutendez.

& ldquoТо, що нещодавно з’ясувалося у центрах утримання під вартою ДВС, не є чимось новим, - продовжила вона. “Це & rsquos так само старо, як колонізація. Вона & rsquos ніколи не зникла. & Rdquo Взяті разом, Fern & aacutendez сказали, що виставка стає "#8220портретом насильства у багатьох відношеннях" ”

Зображення тропічної бурі з'являється в іншій роботі на виставці, Карибський космос (2020), панель завдовжки 16 футів, виготовлена ​​з тисяч засклених керамічних тессер, які разом утворюють створене зображення різних завихрень, що імітують повітряні карти, що показують урагани, що формуються над Карибами. Твір одночасно є прекрасним і захоплюючим, і мдаша захоплює зображення руйнівних руйнувань.

& ldquoЦей рух, який ви бачите, схожий на такий закручений ураган, - сказав Папороть & aacutendez. & ldquoЯкщо б ви зменшили його до мікроскопічного рівня, це виглядало б як усе, що відбувається у вашому тілі, і якби ви вибухнули таким масштабним, як космос, це виглядало б як Чумацький Шлях. & rdquo

Для іншої серії під назвою & ldquoЧерний пляж (неполірований діамант) ” Fern & aacutendez створив набір з трьох масштабних творів, у кожному з яких представлені сотні шматочків цілого вугілля, спаленої деревини з бочок для віскі та лавових порід (разом з іншими матеріалами) ), які важко кріпляться до панелі з полірованого алюмінію.

Оскільки ці матеріали мають свою власну ідентичність, вони не є нейтральними. “Це & rsquos не подобається йти в магазин фарб, купувати купу фарби, а потім малювати картину спаленого пейзажу. Я ’ м насправді створюю зображення спаленого пейзажу з фрагментами справжнього спаленого ландшафту, який уже має свою історію. Це майже так, ніби це матеріали з привидами. & Rdquo

Для художника пейзаж, який вона створила, містить ті самі елементи, які він мав би зобразити, і тому він тісно пов’язаний з тими, хто мешкає на цій землі. & ldquoЦе справді про історію людей, - сказала вона. Представлене не просто природа, а щось більше мистецького твору, що існує як історія людства, історія влади, історія власності, історія завоювання. Те, що ми вважаємо ландшафтом, зазвичай пасивною річчю, яка просто існує, насправді є дуже конструктом, який & rsquos створив навколо уявлень про силу та видимість. & Rdquo


Як художниця Терезіта Фернандес перетворює графіт, матеріал зоряного пилу в спогади

Здалеку скульптура сучасного художника Терезіта Ферн Нічний (лінія горизонту) здається простим сучасним прямокутником сріблясто -сірого кольору. У словах художника “, коли ви підходите безпосередньо, ви нічого не бачите, лише простий темно -сірий прямокутник. Але коли ви починаєте рухатися, шматки анімуються. . . . Це майже так, ніби зображення складається на ваших очах. ”

Виникають градації кольору та текстури, утворюючи три чіткі горизонтальні смуги. Перший, гладкий і плоский, викликає небо. Другий, блискучий і полірований, киває водою. Третя, пухка та органічна, представляє Землю.

Відмінності в консистенції можливі завдяки використанню папороті графіту, мінералу, що утворюється протягом тисяч років під поверхнею Землі. Новий епізод відеосюжету серії "#8220Re: Frame", створеного Смітсонівським американським художнім музеєм, досліджує переконливу роль, яку графіт відіграв в історії мистецтва#8212 та у роботі "Папороть"#8217.

“Терезіта Ферн ández є дослідницею в багатьох аспектах, вона також концептуальний художник,##каже Е. Кармен Рамос, кураторка латиноамериканського мистецтва та заступник головного куратора музею.

Народившись у Майамі в 1968 році, Ферн ández отримала ступінь бакалавра в Міжнародному університеті Флориди та ступінь МВФ з Університету Співдружності Вірджинії. У 2005 році вона була нагороджена грантом MacArthur “Genius ”, а в 2012 році президент Обама призначив її до Комісії образотворчих мистецтв США. Її скульптури та інсталяції можна знайти в музеях по всьому світу, включаючи Смітсонівський музей американського мистецтва.

Робота Папороті зосереджена на природному світі, який вона досліджує, використовуючи нетрадиційні методи та матеріали. "Вона створила зображення утворень хмар, вивержень вулканів та водойм", - каже Рамос. “В багатьох випадках вона використовує найрізноманітніші матеріали для створення цих ілюзій, які стають для глядача враженнями. ” Для створення Нічний (лінія горизонту), художник досліджував властивості матеріалу несподіваної речовини: графіту.

Натхненням послужив розвиток пейзажу як художнього фокусу та його зв’язок із матеріальним графітом Нічний (лінія горизонту) автор Терезіта Ферн ández. (SAAM, © 2010, Teresita Fern ández, 2012.38A-C)

“Графіт-природний мінерал. Він зустрічається на всій планеті Земля і в космосі і сформований тільки з елемента вуглецю »,-каже Ліз Коттрелл, куратор пород і руд у Національному музеї природної історії Смітсоніана у Вашингтоні, округ Колумбія.

“Люди, тварини та рослини складаються з вуглецю. Ми, люди, є домінуючими формами життя, і коли ми помираємо, наше тіло і тканини розкладаються, і під дією тепла і тиску на Землі органічний вуглець перетворюється на графіт,-каже Коттрелл.

Хоча матеріал робочого коня на кінці наших олівців часто приймають за свинець, насправді - це графіт. За словами Коттрелла, графіт надзвичайно м'який, і це тому, що атоми вуглецю розташовані в рівнинах, у листах, і ці листи просто розшаровуються, коли ви його натираєте. ”

Графіт був популярним художнім матеріалом з 16 століття. Він був улюбленим майстром епохи Відродження Леонардом да Вінчі, який використовував графіт для створення одних з найдавніших пейзажів західної історії мистецтва.

До часів да Вінчі художники вважали природу фоном, а не предметом мистецтва. Да Вінчі був одним з перших, хто створив малюнки, які висунули на перший план природу, оспівуючи ландшафт, а не людську цивілізацію. “ Існує цей глибокий зв'язок із графітом, який пов'язаний з олівцями та зображенням ландшафтів ", - каже Рамос.

“Одне з найпопулярніших графітових місць історично знаходиться в Англії. . . де олівці були вперше розроблені, - каже Коттрелл. Борроудейл у регіоні Камбрія став особливо відомим серед художників епохи Відродження своїми високоякісними родовищами. Ще до того, як да Вінчі почав малювати кумбрійським графітом, англійські вівчарки використовували його для ідентифікації своїх отар шляхом позначення вовни своїх овець.

Натхненням послужив розвиток пейзажу як художнього фокусу та його зв’язок із матеріальним графітом Нічний (лінія горизонту). Як художниця, чия робота зосереджена на природному світі, Фернандеса тягнуло до фізичного розташування та матеріалу, що надихнуло жанр, який вона продовжує досліджувати.

Тересіта Ферн ández зосереджується на природному світі, який вона досліджує, використовуючи нетрадиційні методи та матеріали. (Нобору Морікава, Сховище Вікімедіа)

У той час як да Вінчі робив ескіз графітовим олівцем, Ферн ández ліпить з самого графіту. “Она дійсно була заінтригована ідеєю створити картину, матеріал якої тісно і повністю інтегрований із зображенням, яке вона створює ", - каже Рамос.

Але Fern ández не зображує Borrowdale у Нічний (лінія горизонту)—або будь -якого конкретного ландшафту.

“Коли ви думаєте про історичні пейзажі XIX століття Томаса Морана та Фредеріка, вони представляють дуже специфічні місця, чи не так? Чи то прірва Колорадо, чи Аврора Бореаліс, - каже Рамос. “Подивившись на цей твір, він відчуває своєрідне загальне відчуття. ”

“Тересіта Ферн ández не зацікавлена ​​в зображенні певного місця, але дійсно зацікавлена ​​в тому, щоб викликати наші особисті асоціації, особисту асоціацію відвідувача, з місцем, яке вони обирають самі,#каже Рамос.

Спираючись на багатовікову історію мистецтва та тисячоліття геологічних процесів, скульптура Терезіти Ферн. Нічний (лінія горизонту) в кінцевому підсумку - це особистий досвід, матеріал зоряного пилу, що викликає спогади. Її використання графіту пов'язує скульптуру з землею, але її відсутність дозволяє глядачам спроектувати власну обстановку, уявну або запам'ятану, на її мерехтливу поверхню.

“Кожен раз, коли я дивлюсь на це, я думаю про те, коли я жив у Чикаго, і про всі свої прогулянки, дивлячись на озеро Мічиган. У мене є такий досвід. Хоча він не зображує озеро Мічиган, він викликає цю пам’ять у моїй особистій історії ”, - каже Рамос.

Тересіта Папороть ández '2010 Нічний (лінія горизонту) знаходиться на третьому поверсі, східному крилі Смітсонівського американського художнього музею у Вашингтоні, округ Колумбія.

Про Мелісу Хендріксон

Мелісса Хендріксон-ведуча та співавторка веб-серії Re: Frame із Смітсонівського американського художнього музею, де вона також є спеціалістом з інтерпретації та аудиторії.


ПОСІБНИК ВИСТАВКИ

Терезіта Фернандес: Стихійний -це перша ретроспектива середини кар’єри всесвітньо відомої американської художниці Терезіти Фернандес (нар. 1968, Майамі живе в Нью-Йорку). Фернандес - концептуальний художник, найбільш відомий своїми захоплюючими інсталяціями та скульптурами та своїми монументальними громадськими художніми комісіями. Її концептуально обґрунтована праця випливає з оскарження загальноприйнятих визначень ландшафту шляхом деконструкції традиційних жанрів пейзажного живопису та ленд-арту, щоб розкрити більш нагальні розповіді. Фернандес приділяє особливе значення її критичному вибору матеріалів, таких як золото, графіт, деревне вугілля та інші корисні копалини, які мають складну історію, часто пов’язану з колоніалізмом, землею та владою.

© 2019 Художній музей Перес Майамі

«Пейзаж часто більше стосується того, що ви не бачите, ніж того, що ви бачите.

Я починаю з того, що задаю собі дуже просте питання: Де я? Історично, економічно, соціально, расово, географічно, візуально, емоційно та фізично?

Тересіта Фернандес
ВСТУП

Терезіта Фернандес: Стихійний організована як серія експериментальних інсталяцій із різноманітними творами, зробленими за останні 20 років. Ці середовища запрошують глядачів взаємодіяти з низкою «пейзажів», намагаючись спонукати до роздумів про ідентичність та особисту розповідь шляхом тихого розгадування видимості, матеріальності та переплетеної суспільно -політичної історії. Разом з новою скульптурою Приспів (2020), виставка вперше разом демонструє деякі з найважливіших скульптурних творів Фернандеса та презентацію її рідко бачених малюнків, які пропонують глибокий погляд на її художню практику. Останні серії, такі як Пожежа (Сполучені Штати Америки) (2017–19) та Віньялес (2015–19), розглядають політичні та соціальні складності ландшафту.

В цілому, Стихійний просить глядачів протистояти усталеним уявленням про те, ким вони є, за допомогою більш глибокого розуміння того, де вони є, а також пропонуючи рясні, візуально сліпучі твори мистецтва, які посилаються на космос, підземелля, природні явища та відчутну красу природного світу.

Однак нещодавнє використання художником вогневих зображень пропонує більш термінову, загрозливу розповідь. Вогонь (Америка) (2016–19) складається з кількох творів, які ставлять під сумнів те, як американське насильство оформлено відповідно до того, хто розповідає історію. Це також посилання на інтерес Фернандеса до того, як корінні жителі формували та обробляли землю за допомогою методів рубання та спалювання, щоб сприяти її сталості, розкриваючи міф про незайману американську пустелю до контакту з Європою.

КРЕДИТ Зображення

Вогонь, 2005. Шовк, пряжа, сталева арматура та епоксидна смола. Collection SFMOMA Accessions Committee Fund purchase. Created in collaboration with The Fabric Workshop and Museum, Philadelphia.

In works such as Fire (America) 5 (2017) and Fire (America) 6 (2019), Fernández creates night scenes made of rich, color-saturated, glazed ceramic tesserae depicting landscapes engulfed in flames. These works provide visual representations of the erased, warped, and invisible histories that are deliberately omitted from our perception of what we define as the American landscape.

Surrounding the viewer is Charred Landscape (America) (2019), a horizon line of raw, sculptural, charcoal “land masses” made from burned wood that transforms into diffused gestural charcoal drawings created directly on the walls. The dramatic images have an almost cinematic effect, suggesting a panoramic landscape scene dissolving into smoke.

The largest wall work on view in this series is Fire (United States of the Americas) 3 (2017–19). Made from solid charcoal elements arranged in the shape of the continental United States, the piece emerges from a wall of gestural, smoky, hand-drawn marks depicting a country burning, falling, and slipping away. About the work, Fernández states:

The piece reinserts the shape of Mexico into the map, newly configured and reimagined as so immense that its redemptive, ghostlike presence starts to dissolve into the cosmos, looming large over the United States. The charred image prompts viewers to contemplate and question the social history of the United States of America—only here are we in the habit of using the term “America” in its singular form. Throughout the rest of the Western Hemisphere, the term is customarily used in its plural form, “the Americas.”

IMAGE CREDIT

Fire (United States of the Americas) 3, 2017–19. Charcoal. Courtesy the artist and Lehmann Maupin, New York, Hong Kong and Seoul. Photo: Beth Devillier.

GRAPHITE

The idea that the pencil that you are drawing with could come from a physical landscape, where you could stand on that landscape and everything underneath your feet would be solid graphite, became another way for me to think about the act of drawing and Land art. Drawn Waters (Borrowdale) is like making a sculpture that’s really a drawing, a kind of dimensional, physical smudge. So that the act of drawing, the object of drawing, and the physical landscape become one and the same. To assemble the parts of a sculpture like Drawn Waters (Borrowdale) becomes precisely to engage in making a drawing.

Аналогічно, Sfumato (2019) is an immersive, site-specific installation that sweeps across the walls of the gallery like an organic, dissolving swarm. It is made of thousands of small rocks of raw, mined graphite—each with a feathery drawn mark that emanates from it like a cosmic trail. Sfumato’s scale shifts from intimate to vast, from miniature to panoramic so the work appears like a spreading constellation from a distance. Up close, the individual graphite elements each become their own tiny, solid landscape.

Fernández’s use of graphite, a mined, subterranean material, can also be seen in her Nocturnal series (2009–17), where dark-relief, graphite panels allude to mysterious night scenes and explore the material’s sculptural qualities beyond its common association to traditional modes of drawing. The panels suggest monochromatic, minimalist paintings, but the dimensional, carved, polished, and layered graphite slowly transforms to reveal a reflected surface of lustrous relief landscape paintings.

IMAGE CREDIT

Drawn Waters (Borrowdale), 2009. Natural and machined graphite on steel armature. Sfumato, 2009. Graphite and magnets, dimensions variable. Installation view: Lehmann Maupin, New York, 2009. Courtesy the artist and Lehmann Maupin, New York, Hong Kong and Seoul.

SUBTERRANEAN

Fernández draws from her personal experience in the elaborate cave system of the Viñales Valley. Used since prehistoric times, the caves were once occupied by Taino indigenous people before colonization and were later used as a place of refuge for Maroons, or runaway slaves, who fled from surrounding plantations to freedom and formed small communes by hiding in the caves by day. As viewers engage with the immersive sculpture, the suggested landscape expands and contracts, prompting them to visually construct the image and become the size of what they are looking at.

Here, Fernández uses malachite rocks brought from the Democratic Republic of the Congo for their visual similarities to the lush, vibrant, and green Viñales Valley. This choice of material asserts what Fernández refers to as “stacked landscapes.” The malachite comes from a real landscape in the Congo and is used to create another imagined landscape, in the process highlighting the historical, cultural, and conflicted colonial relationship between Africa and Cuba. The idea is that when viewers unravel the landscape, they are always in more than one place simultaneously. Surrounding glazed ceramic panels reveal mineral-like, subterranean views that further reinforce the idea of the caves as protective, womb-like interiors.

IMAGE CREDIT

Viñales (Reclining Nude), 2015. Wakkusu concrete. bronze, and malachite. Courtesy the artist and Lehmann Maupin, New York, Hong Kong and Seoul.

NIGHT WRITING

The title of the series is a reference to “Écriture Nocturne,” a code devised in the early 19th century to enable Napoleon Bonaparte’s soldiers to communicate at night, silently and without light. The code was also an early precursor to braille.

Each sumptuous, paper-pulp image of the night sky in the series is covered with words that have been translated into braille patterns, which become an abstracted field of perforated constellation points superimposed onto a mirror backing. Each dot appears to flicker, catching reflections of viewers moving in front of the works.

Artworks such as Night Writing (Tristan and Isolde) (2011) та Night Writing (Hero and Leander) (2011) contain cryptic words lost in an undecipherable code of dots. The works become a statement on the ephemeral quality of abstracted language as viewers attempt to grasp the content hidden within the invisible text. Fernández’s works often explore this subtle space between blindness, vision, and the tactile.

IMAGE CREDIT

Night Writing (Hero and Leander), 2011. Colored and shaped pulp paper with inkjet assembled with mirror. Made in collaboration with Singapore Tyler Print Institute. Collection of the artist. Courtesy Lehmann Maupin, New York, Hong Kong and Seoul.

I’m very interested in the idea of gold as a cultural phenomena in ancient traditions of mining that originated in Africa, China, and Mesoamerica well before the more familiar European traditions ever evolved. Gold is present all over the world and has, across every time period and culture, been synonymous with the sun, with light, with radiance—subterranean metals connected to their heavenly counterparts. But my use of gold is also a very deliberate reference to colonization. The history of gold as a material is also, always, the history of landscape in the Americas, of land, conquest, power and, by default, of the erasure and decimation of indigenous peoples for European greed.

IMAGE CREDIT

Nishijin Sky, 2014. Silk, polyester, paper, nylon, brass, and aluminum. Made in collaboration with HOSOO, Kyoto, Japan. Courtesy the artist. and Lehmann Maupin, New York, Hong Kong and Seoul. Photo: Noboru Morikawa.

BORROWED LANDSCAPE

The installation Borrowed Landscape (Citron, Cerulean, Violet, Blue) (1998) is made of sculptural volumes of colored light, sheer fabric, and wood that hover in a dark room and exist somewhere between architecture, sculpture, and painting. Each “room” has a floor covered with thousands of miniature, hand-drawn shapes taken from 17th-century garden hedge patterns. Together, they read simultaneously as rugs and aerial landscape views, toggling between scales to create something akin to an indoor landscape or an outdoor room. Much like in a real garden, viewers trace the space by walking through the mazelike, geometric volumes that contract and expand into shifting vistas.

IMAGE CREDIT

Borrowed Landscape (Citron, Cerulean, Violet, Blue), 1998. Wood, fabric, oculus light, graphite, and paint. Originally commissioned at Artpace, San Antonio, Texas. Collection of the artist. Courtesy Lehmann Maupin, New York, Hong Kong and Seoul.


Related story

A domed ceiling of white plaster tops the space, which will be used for large-scale installations and &ndash after the coronavirus pandemic &ndash large gatherings.

Art by Teresita Fernández occupies one wall of the Williams Forum

Displayed on the east wall of the Williams Forum is a map of America made from pieces of charcoal by American artist Teresita Fernández.

Called Fire (United States of the Americas), it "points to the cycles of destruction and regeneration on which the history of this country is built", according to the museum.

Tiles have been restored and pipes laid below the Vaulted Walkway

The Vaulted Walkway, a 640-foot-long (195 metres) corridor running the breadth of the exterior of the Philadelphia Museum of Art, has been reopened again after 50 years.

The Guastavino tiles in the vaults between the collonades have been restored, and new steam pipes, water lines, electric and internet cables have been installed below the paving to improve the museum's infrastructure.

The South Hall has been turned into a sculpture room

A room at one end of the Vaulted Walkway, called the South Hall, has been refurbished and turned into a sculpture display area.

Gehry is a much-lauded architect and the recipient of the Pritzker Architecture Prize, Japan's Praemium Imperiale, and America's Presidential Medal of Freedom amongst other accolades.

Notable museum projects from his practice include the upcoming Luma Arles arts tower in southern France, which is slated to open in June, and the Guggenheim Museum in Bilbao.


Teresita Fernández (b. 1968, Miami, FL, lives and works in Brooklyn, NY) is a conceptual artist best known for her monumental, public projects that expand on notions of landscape and place. Her work, often inspired by natural phenomena—meteor showers, fire, and the night sky—invites experiential engagement with the work and the space it occupies. Fernández places particular importance on her choice of materials such as gold, graphite, and other minerals that have loaded histories, often tied to colonialism, history, land, and power. Her work is characterized by a quiet unraveling of place, visibility, and erasure that prompts an intimate experience for individual viewers. In 2015, Fernández installed her largest public art project to date, Fata Morgana, in New York’s Madison Square Park. The work was composed of overhead, mirrored canopies above all of the park’s walkways, and its title refers to mirages that hover right above the horizon.

Fernández is a 2005 MacArthur Foundation Fellow and the recipient of a number of awards including the Aspen Award for Art in 2013, a 2003 Guggenheim Fellowship, and a Louis Comfort Tiffany Biennial Award in 1999. Appointed by President Obama, she was the first Latina to serve on the US Commission of Fine Arts, a 100-year-old federal panel that advises the president and Congress on national matters of design and aesthetics. Her upcoming mid-career museum retrospective, Teresita Fernández: Elemental, is currently on view at the Pérez Art Museum Miami. Surveying over 20 years of work, the exhibition will travel to the Phoenix Art Museum followed by the New Orleans Museum of Art. Fernández’s public art project, Paradise Parados, will be installed on the rooftop of the BAM Harvey Theater, Brooklyn, NY, in 2020.

Fernández’s recent site-specific commissions include Vînales (Mayombe Mississippi), New Orleans Museum of Art, Sculpture Garden, New Orleans, LA (2019) Island Universe, Ford Foundation, New York, NY (2019) Autumn (…Nothing Personal), Harvard University, Cambridge, MA (2018) Stacked Waters, Blanton Museum of Art, University of Texas, Austin, TX (2009) Blind Blue Landscape, Benesse Art Site, Naoshima, Japan (2009) and Seattle Cloud Cover, Olympic Sculpture Park, Seattle, WA (2006).

In 2001, Fernández worked with the Public Art Fund to realize Bamboo Cinema, a large-scale, maze-like installation made of colored, translucent polycarbonate tubes in Madison Square Park, New York City.

Cecilia Vicuña (b. 1948 in Santiago, Chile is a poet, artist and activist. She lives and works in New York and Santiago) integrates practices of performance, Conceptualism, and textile in response to pressing concerns of the modern world, including ecological destruction, human rights, and cultural homogenization. Born and raised in Santiago, she was exiled during the early 1970s after the violent military coup against President Salvador Allende. This sense of impermanence, and a desire to preserve and pay tribute to the indigenous history and culture of Chile, have characterized her work throughout her career.


Teresita Fernández

“ ..Best known for her unique installations and immersive public projects, Fernández explores ideas of the figure in the landscape, the natural world, the extremes of scale, as well as the act of looking.. ”

Click for full text

Lehmann Maupin, New York (West 22nd St)

“ ..She is an artist best known for her conceptual, experiential works, prominent public sculptures, and unconventional use of materials.. ”

Click for full text

Lehmann Maupin, Chrystie Street

“ ..Fernández's work is characterized by an interest in perception and the psychology of looking.. ”

Click for full text

Lehmann Maupin, Chrystie Street

“ ..Fernández here seeks to revise our notion of what is the “American Landscape” and who gets to define it.. ”

Click for full text

Teresita Fernández is an American Postwar & Contemporary artist who was born in 1968. Her work was featured in numerous exhibitions at key galleries and museums, including the SFMOMA, San Francisco Museum of Modern Art and the Museum of Fine Arts, Boston. Teresita Fernández's work has been offered at auction multiple times, with realized prices ranging from $195 USD to $132,000 USD, depending on the size and medium of the artwork. Since 2006 the record price for this artist at auction is $132,000 USD for Burnout, sold at Sotheby's New York in 2006. Teresita Fernández has been featured in articles for the ArtLyst, the ARTnews and the ARTnews. The most recent article is Teresita Fernández Depicts Caribbean Colonialism and Eco-Trauma written by Louis Bury for the Hyperallergic in January 2021.


In Focus: Teresita Fernández

Lehmann Maupin is pleased to announce In Focus: Teresita Fernández. This special installation debuts the artist&rsquos most recent series, Dark Earth, begun in 2019. The presentation will feature four panels made of solid charcoal on chromed metal that delve deeper into the artist&rsquos interest in the buried, layered, and often violent histories of landscape and place. In Focus presentations are a recent addition to the Lehmann Maupin program that create a space for the gallery to highlight a critical aspect of an artist&rsquos practice. These installations offer unique public access to recent, timely, or significant works by the gallery&rsquos artists. There will be an artist-led walk through on November 23, at 11am. Capacity is limited reserve a space at [email protected]

Merging the conceptual and the material within her Dark Earth series, Fernández sculpts raw charcoal into sumptuously textured, abstracted images that challenge conventional notions of landscape art traditions. These panoramic landscape scenes expand and contract to suggest ancient mountain ranges, bodies of flowing water, subterranean minerals, radiant skies, and the immensity of the cosmos. Fernández&rsquos sense of the landscape suggests not only the physicality of the land, but also the history of human beings who have carefully cultivated it, or abused it, and the subsequent erasure that continues to shape our present-day perceptions of the people and places around us. Elaborating on ideas of the traditional &ldquofigure in the landscape,&rdquo Fernández uses the reflective quality of the golden metal to prompt viewers to consider their own role in this system, as their gaze is returned and distorted within this constructed landscape, and to re-examine their place in the eroded physical and psychological spaces produced by centuries of dominant colonialism. Imbuing the landscape with an anthropomorphic sensibility, Fernández has stated, &ldquoyou look at the landscape, but the landscape also looks back at you.&rdquo Each panel presents a spectral scene that echoes the ancient and the vast, while also referring to the cultural histories of its material makeup&mdashgold, conquest, violence, agriculture&mdashand the fluctuation of power that surrounds natural resources.

Exhibited concurrently with the artist&rsquos retrospective, Teresita Fernández: Elemental, on view at the Pérez Art Museum Miami through February 9, 2020, these new works represent a direct through line of her career-spanning consideration of landscape as it is tied to human history and the emerging narratives that shape our understanding of it.

About the artist
Teresita Fernández (b. 1968, Miami, FL, lives and works in Brooklyn, NY) is a 2005 MacArthur Foundation Fellow and the recipient of a number of awards including the Aspen Award for Art in 2013, the 2003 Guggenheim Fellowship, and the Louis Comfort Tiffany Biennial Award in 1999. Appointed by President Obama, she was the first Latina to serve on the U.S. Commission of Fine Arts, a 100-year-old federal panel that advises the president and Congress on national matters of design and aesthetics.

Recent site-specific commissions include Night Writing, Park Tower at Transbay, San Francisco, CA (2019) Vînales (Mayombe Mississippi), New Orleans Museum of Art, Sculpture Garden, New Orleans, LA (2019) Island Universe, Ford Foundation, New York, NY (2019) Autumn (&hellipNothing Personal), Harvard University, Cambridge, MA (2018) Fata Morgana, Madison Square Park, New York, NY (2015) Stacked Waters, Blanton Museum of Art, University of Texas, Austin, TX (2009) Blind Blue Landscape, Benesse Art Site, Naoshima, Japan (2009) and Seattle Cloud Cover, Olympic Sculpture Park, Seattle, WA (2006). Fernández&rsquos public art project, Paradise Parados, will be installed on the rooftop of the BAM Harvey Theater, Brooklyn, NY, in 2020.

Fernández received a BFA from Florida International University, Miami, in 1990 and an MFA from Virginia Commonwealth University, Richmond, in 1992. Solo exhibitions of her work have been organized at the Phoenix Art Museum, Phoenix, AZ (forthcoming 2020) Pérez Art Museum Miami, Miami, FL (2019) Harvard University, Boston, MA (2018) Olana State Historic Site, Hudson, NY (2017) Massachusetts Museum of Contemporary Art, North Adams, MA (2014) Modern Art Museum of Fort Worth, TX (2011) Museum of Contemporary Art Cleveland, OH (2011) University of South Florida Contemporary Art Museum, Tampa, FL (2009) Centro de Arte Contemporáneo de Málaga, Spain (2005) and Castello di Rivoli, Turin, Italy (2001).

Fernández&rsquos work is featured in numerous international public and private collections, including Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, NY Bloomberg Family Foundation, New York, NY Coleccion Patricia Phelps de Cisernos, New York, NY Institute of Contemporary Art, Miami, FL Israel Museum, Tel Aviv, Israel Fondation Louis Vuitton, Paris, France Museum of Fine Arts, Boston, MA The Museum of Modern Art, New York, NY Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, Spain Pennsylvania Academy of the Fine Arts, Philadelphia, PA Pérez Art Museum, Miami, FL Sammlung Goetz, Munich, Germany San Francisco Museum of Modern Art, San Francisco, CA Walker Art Center, Minneapolis, MN and the Whitney Museum of American Art, New York, NY.


In Focus: Teresita Fernández

Lehmann Maupin is pleased to announce In Focus: Teresita Fernández. This special installation debuts the artist&rsquos most recent series, Dark Earth, begun in 2019. The presentation will feature four panels made of solid charcoal on chromed metal that delve deeper into the artist&rsquos interest in the buried, layered, and often violent histories of landscape and place. In Focus presentations are a recent addition to the Lehmann Maupin program that create a space for the gallery to highlight a critical aspect of an artist&rsquos practice. These installations offer unique public access to recent, timely, or significant works by the gallery&rsquos artists. There will be an artist-led walk through on November 23, at 11am. Capacity is limited reserve a space at [email protected]

Merging the conceptual and the material within her Dark Earth series, Fernández sculpts raw charcoal into sumptuously textured, abstracted images that challenge conventional notions of landscape art traditions. These panoramic landscape scenes expand and contract to suggest ancient mountain ranges, bodies of flowing water, subterranean minerals, radiant skies, and the immensity of the cosmos. Fernández&rsquos sense of the landscape suggests not only the physicality of the land, but also the history of human beings who have carefully cultivated it, or abused it, and the subsequent erasure that continues to shape our present-day perceptions of the people and places around us. Elaborating on ideas of the traditional &ldquofigure in the landscape,&rdquo Fernández uses the reflective quality of the golden metal to prompt viewers to consider their own role in this system, as their gaze is returned and distorted within this constructed landscape, and to re-examine their place in the eroded physical and psychological spaces produced by centuries of dominant colonialism. Imbuing the landscape with an anthropomorphic sensibility, Fernández has stated, &ldquoyou look at the landscape, but the landscape also looks back at you.&rdquo Each panel presents a spectral scene that echoes the ancient and the vast, while also referring to the cultural histories of its material makeup&mdashgold, conquest, violence, agriculture&mdashand the fluctuation of power that surrounds natural resources.

Exhibited concurrently with the artist&rsquos retrospective, Teresita Fernández: Elemental, on view at the Pérez Art Museum Miami through February 9, 2020, these new works represent a direct through line of her career-spanning consideration of landscape as it is tied to human history and the emerging narratives that shape our understanding of it.

About the artist
Teresita Fernández (b. 1968, Miami, FL, lives and works in Brooklyn, NY) is a 2005 MacArthur Foundation Fellow and the recipient of a number of awards including the Aspen Award for Art in 2013, the 2003 Guggenheim Fellowship, and the Louis Comfort Tiffany Biennial Award in 1999. Appointed by President Obama, she was the first Latina to serve on the U.S. Commission of Fine Arts, a 100-year-old federal panel that advises the president and Congress on national matters of design and aesthetics.

Recent site-specific commissions include Night Writing, Park Tower at Transbay, San Francisco, CA (2019) Vînales (Mayombe Mississippi), New Orleans Museum of Art, Sculpture Garden, New Orleans, LA (2019) Island Universe, Ford Foundation, New York, NY (2019) Autumn (&hellipNothing Personal), Harvard University, Cambridge, MA (2018) Fata Morgana, Madison Square Park, New York, NY (2015) Stacked Waters, Blanton Museum of Art, University of Texas, Austin, TX (2009) Blind Blue Landscape, Benesse Art Site, Naoshima, Japan (2009) and Seattle Cloud Cover, Olympic Sculpture Park, Seattle, WA (2006). Fernández&rsquos public art project, Paradise Parados, will be installed on the rooftop of the BAM Harvey Theater, Brooklyn, NY, in 2020.

Fernández received a BFA from Florida International University, Miami, in 1990 and an MFA from Virginia Commonwealth University, Richmond, in 1992. Solo exhibitions of her work have been organized at the Phoenix Art Museum, Phoenix, AZ (forthcoming 2020) Pérez Art Museum Miami, Miami, FL (2019) Harvard University, Boston, MA (2018) Olana State Historic Site, Hudson, NY (2017) Massachusetts Museum of Contemporary Art, North Adams, MA (2014) Modern Art Museum of Fort Worth, TX (2011) Museum of Contemporary Art Cleveland, OH (2011) University of South Florida Contemporary Art Museum, Tampa, FL (2009) Centro de Arte Contemporáneo de Málaga, Spain (2005) and Castello di Rivoli, Turin, Italy (2001).

Fernández&rsquos work is featured in numerous international public and private collections, including Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, NY Bloomberg Family Foundation, New York, NY Coleccion Patricia Phelps de Cisernos, New York, NY Institute of Contemporary Art, Miami, FL Israel Museum, Tel Aviv, Israel Fondation Louis Vuitton, Paris, France Museum of Fine Arts, Boston, MA The Museum of Modern Art, New York, NY Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, Spain Pennsylvania Academy of the Fine Arts, Philadelphia, PA Pérez Art Museum, Miami, FL Sammlung Goetz, Munich, Germany San Francisco Museum of Modern Art, San Francisco, CA Walker Art Center, Minneapolis, MN and the Whitney Museum of American Art, New York, NY.


Подивіться відео: Украшения от Sunlight Плюсы и минусы. Летние ювелирные изделия. (Жовтень 2021).